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CERNICHOV – The Mold Legacy

CERNICHOV

The Mold Legacy
Un duo ambient/noise che ci catapulta in un mondo dominato dalla natura. Un mondo in cui le regole sono capovolte, e l’umanità e soltanto una piccola variabile in un universo fatto di energia e metamorfosi

Immaginate per un attimo di poter vivere le emozioni di un fungo.

No, davvero.

Se vi siete mai chiesto come ragionano gli organismi pluricellulari chiamati funghi (la cosiddetta Muffa) questo è un lavoro molto intricato che andrà probabilmente a fare luce sul vostro quesito. 

I Chernichoy sono un duo noise/ambient italo-belga che immediatamente ci catapultano in una Foresta nera, dove ogni piccolo rumore tra le sonorità oscure ci fa sobbalzare. Fin quando il rumore non diventa costante, inquietante ma allo stesso tempo chiaro e nitido, perfettamente in linea con la sua dimensione. 

Megaverse ci introduce in questa atmosfera sopra descritta che si conferma subito dopo con  The House of Ash Tree Lane. ll ronzio che prima era un rumore di sottofondo in una foresta, ora diventa una costante che prevale su ogni altro suono, attirando così la centralità della nostra attenzione. Solo verso il quinto minuto della seconda traccia, sentiamo come un battito d’ali che distoglie l’attenzione dalla centralità precedente, il suono diventa unico e prolungato fino all’esaurimento dello stesso. 

The Logic in Constructivism ha un qualcosa di vagamente ancestrale, antico, tribale all’interno delle sue sonorità. Sarà l’ombra latente di una lontana percussione, saranno i suoni dinamici che puntano ad un climax ascendente e discendente. 

Con Petris Fractals ci sembra per qualche secondo di essere in un nuovo mondo, forse un bosco invece che una foresta oscura, almeno all’inizio. Ci ritroviamo in questo habitat del tutto naturalistico e ci interroghiamo se noi esseri umani possiamo avere anche solo lontanamente merito di rimanere lì dove siamo. L’atmosfera più inquietante di prima sembra essere scomparsa, nonostante rimanga decisa l’impronta noise del duo. Tutto questo permane fino al graduale arrivo di un’oscurità incombente, intorno al terzo minuto del brano. Ritorna la pace con la pioggia solo nel finale, quando la tempesta è in procinto di finire. 

Un andamento molto simile lo ritroviamo anche nella successiva traccia, terminando poi sull’ultima fiabesca “Once Upon a Time in  Cybertron”. Le sonorità iniziali sono proprio il sussurro di un’entità superiore, forse come Madre Natura, pronta a lasciare spazio alle sue magie. Un racconto infinito che merita di iniziare con “c’era una volta” dallo stampo più macabro e dalla chiusura secca e inaspettata, se non ci fosse stato un eco di rinforzo alla fine. 

L’album è consigliato a tutti gli ascoltatori di noise, ambient, a tutti coloro che amano le sonorità scure più che altro evocative, emozionali. I sensi fanno da comandanti durante tutto il percorso sonoro. Spegnete la ragione.

VOTO: 8

Release Date: January 11, 2021

Recorded by Marco Mazzucchelli and David Gutman between December 2013 and April 2019.

Produced and Mixed by David Gutman.

Mastered by Anacleto Vitolo.

Photographies by Marco Mazzucchelli and David Gutman.

Artwork by Marco Mazzucchelli.

LINK:

https://dornwald-records.com/

https://www.facebook.com/Cernichov

J. – Postrock.it

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Marco Zanelli – The Great Concert in R’Lyeh

MARCO ZANELLI

The Great Concert in R’Lyeh
L’artista carismatico Marco Zanelli ci delizia le orecchie, con questa nuova perla “The Great Concert of R’Lyeh” registrato allo Stereonomicon Studio Mobile in tutto l’arco dello scorso anno. Le sonorità e i passaggi distopici che prendono piede in questo lavoro, sono largamente ispirati a opere letterarie di Howard Phillips Lovecraft, le grafiche sono curate dal visionario illustratore Filippo Zanelli.

Il disco viene fuori sotto forma di concept, per narrare al meglio i viaggi distorti e psichedelici con una gran parte di elettronica d’avanguardia utilizzata, il risultato è incredibile per un ascolto complesso e non facile da apprendere.

Il primo brano di apertura è un vortice infinito di effetti che si abbatte su tutta la durata in modo instabile e dissonante, per un nucleo notevole da non perdere.

Segue il mondo lunare e granitico delle due tracce successive che si agitano come una sfera incandescente senza freni. Solo nel quarto brano, il tempo martellante del synth apre il suo percorso in qualcosa di spaziale e misterioso.

Il quinto brano si lancia nel viaggio unico dell’artista, che si crea un ambiente stellare nella sua testa fino a perdersi nella drum machine sulla parte finale, come l’ingresso silenzioso all’interno di un astronave. Nel brano seguente inizia all’improvviso  una cavalcata estrema, con una sonorità di grande fattura acida e delirante, fino  a toccare il caos più totale per poi spegnersi lentamente. Un posto magico a tratti inquietante invece si materializza nella traccia numero sette, su uno stile tipo videogioco a 8 bit dal gusto sonoro unico.

Prima di chiudere ci soffermiamo sulla penultima composizione, che con il suo tiro leggero prende il sopravvento con grande sicurezza, per uno studio tecnico e innovativo in fase di registrazione. La chiusura geniale molto lunga incastra tutta la cultura musicale di Marco in modo impeccabile, per un racconto senza precedenti.

Un disco di musica elettronica, ben studiato e strutturato con un attenzione maniacale e fuori dagli schemi.

 

VOTO: 6

 

Marco Zanelli – The Great Concert in R’Lyeh(2021)

– Autoprodotto –

Mixed and Recorded at Stereonomicon Studio Mobile (2020)

 

Simone – Postrock.it

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Ulysse – Ulysse

ULYSSE

ULYSSE
Il progetto Ulysse fa il suo esordio ufficiale con questo album omonimo molto interessante. Prodotto per tre etichette diverse e di spessore, come la label abruzzese DeAmbula Records, gli emiliani We Work Records e il collettivo Vasto Records da Palermo.

Il suo insieme vede sonorità differenti, che puntano su un unico obiettivo pazzesco. I paesaggi visionari che prendono vita al suo interno, sono una chicca da non perdere. Nel sound troviamo molte contaminazioni per un attitudine alternative rock, con tante sfumature post rock. I testi sono in italiano e trattano tematiche delicate e personali, con un gusto originale e di grande ispirazione.

La band vede il musicista Mauro Spada, artista di spessore sulla scena pescarese e attualmente bassista degli Oslo Tapes, altro nucleo definitivo con frontman Marco Campitelli.

Insieme a lui collaborano altri musicisti legati da diverse esperienze in progetti storici per tutta la città, infatti andiamo dalle sonorità acide dei Santo Niente, per passare allo stoner degli Zippo fino a progetti più di nicchia come Jester at Work e Managment. Infine la produzione è curata da Sergio Pomante, altro grande musicista di band importanti come (Sudoku Killer e Ulan Bator). Il risultato nelle 8 tracce che compongono questo primo lavoro è davvero eccellente, portando l’ascoltatore in un percorso maturo e rilassante.

L’apertura di Vetro, taglia l’atmosfera su un ricordo indelebile e stupendo. Il basso ruvido si incastra a dovere sulla chitarra spaziale, che si culla in modo incantevole alla linea vocale preziosa, le seconde voci aumentano di valore il brano.

Nel finale il synth è una delizia per le orecchie e completa in modo impeccabile il brano. Stesso tiro incendiario si innalza nella seguente L’Ascesa dei Dementi, dove il synth continua il suo viaggio distorto e carico di noise. La voce qui si mette in risalto con una grande qualità e un testo duro, come una protesta contro i continui problemi di questa vita, sembra di ascoltare un brano del poeta carismatico Giorgio Canali.

HWHAP è una composizione notevole, il basso segue un tempo irregolare stile post rock classico. Nel sottofondo una voce amplificata recita un qualcosa di misterioso e surreale, per una traccia che fa il suo giusto lavoro. Discorso diverso invece troviamo nel riff martellante di Patroclo, che si agita in modo delirante con la batteria diretta e precisa, un brano strumentale da brividi. Nella base electro new wave, si aprono le note di Nel Torbido Scorrere, un’opera suggestiva con una malinconia unica al suo interno, nel finale c’è un piccolo risveglio con una grande energia che ti entra dentro.

Fino al Sangue è uno dei brani migliori di questo disco, per quanto riguarda lo studio in fase di registrazione, le chitarre si lanciano in un vortice incredibile, impreziosite dal mondo sospeso del cantante, anche qui con un testo personale e importante, il bridge finale esplode in tante piccole parti luminose e lunari.

Prima di arrivare alla parte conclusiva ci soffermiamo su L’Alba di Sapporo, un’altro brano sperimentale, avvolto da una cultura orientale di rilievo. La struttura d’impatto non fa una piega sulle emozioni superiori fuori dal tempo, solo nel finale si percepisce una piccola linea vocale, il resto è una grande suite strumentale per palati sopraffini. Chiudiamo con Sontuosa Solitudine, una ballata dolce e silenziosa che porta a ricordi lontani e infiniti. Nella base elettronica di fondo si materializza con decisione, uno sciame stupendo di arcobaleni sognanti, per la giusta chiusura d’altri tempi.

Un disco ben fatto, studiato con il contagocce. Al suo passaggio si notano tutte le qualità enormi di ogni musicista che ne fa parte, per un grande risultato che si abbatte su questo mondo ormai alla deriva e presto lascerà il segno sulla nuova scena underground di oggi.

 

VOTO: 7

Ulysse – Ulysse(2021)

DeAmbula Records – We Work Records – Vasto Records

Mixed and Recorded by Sergio Pomante at NoiseLab (2019)

Ulysse are

Mauro Spada: voices

Gino Russo: drums

Raffaello Zappalorto: bassist

Silvio Spina: guitars

LINK:

https://www.facebook.com/ulysse2021

 

Simone – Postrock.it

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The Twins And The Dark Side – Lethian Ghost

THE TWINS AND
THE DARK SIDE
LETHIAN GHOST
The Twins And The Dark Side – Lethian Ghost. Prendi un’atmosfera dark, aggiungi il fascino del post rock, per finire un tocco di sound esplosivo: ecco la ricetta del nostro duo pugliese, ecco a voi The Twins And The Dark Side.

Avere a che fare con un EP spesso vuol dire ascoltare sonorità acerbe, in fase di crescita, magari non ben formate. Non è questo il caso di oggi. Il duo pugliese di cui stiamo per parlare sa bene cosa vuole trasmettere, e sa come ottenere la vostra attenzione.

Stiamo parlando di un progetto genuino, che arriva direttamente nel nostro stereo da una delle terre più belle d’Italia: loro sono i The Twins And The Dark Side e questo è il loro Singolo, Lethian Ghost.

Questo lavoro racchiude in soli 3 brani una vastità di sonorità e di emozioni straordinaria: passiamo da affascinanti giochi sonori su sfondo romantico, a momenti di pura energia, rimanendo sempre in un terreno dark, di cui ogni brano è portavoce.

1 – Cloud – In Memory of L.C. Non sappiamo certo a cui sia dedicato questo brano, ma quello che possiamo dire è che la dedica ci attraversa e ci raggiunge fin nel midollo. Il brano è diretto, sincero, e raggiunge immediatamente il punto del discorso. Si parte con note di chitarra malinconiche, eteree, che attraversano il nostro orecchio e si disperdono, quindi partono batteria e basso in un ritmo serrato, deciso, che ci porta al punto cruciale di questa canzone: un esplosione sonora di pura energia. Un urlo forse, un grido di dolore, o di rabbia. La chitarra qui è distorta ma pure sempre chiara e definita, con un sound cristallino e vibrante. Il brano quindi torna sulle note iniziali di chitarra, ricordandoci quella malinconia che ci ha attirato fin da subito.

2 – Shadow. Il cielo è denso di nuvole, noi siamo fantasmi che si muovono nella notte. Siamo ombre. Ecco in poche parole quello che ci trasmette questo secondo brano. Anche qui assistiamo ad un crescendo, un gioco di chitarra a cui segue un interessante riff di basso seguito da una ritmica semplice ma ben studiata, che insieme creano quella pasta sonora che ci fa sentire orgogliosi di essere italiani.

Gli artisti emergenti come questo duo sanno regalarci spettacolari trame sonore, e tutto questo senza scendere nell’ovvio o nello scontato.

Il brano raggiunge l’apice a metà, con un sound di chitarra sgranato e potente, che si unisce agli altri strumenti e dando vita ad un momento sonoro di interessante imponenza. Il suono è caldo, e si alterna perfettamente al riff iniziale, che si ripresenta anche alla fine, con quella malinconia così fredda, da ricordarci il freddo e la nebbia di una mattina d’inverno.

3 – Nero. Questo brano arriva inaspettato, con un sound particolare che crea un notevole contrasto con i primi due brani. L’intenzione è quella di suscitare emozioni diverse, e anche qui il duo ci riesce benissimo. Sentiamo tonalità maggiori, che ci ricordano qualcosa di bello e di lontano, qualcosa che forse ricordiamo, qualcosa che si perde nella nostra memoria. Il basso qui è il protagonista, con un sound che esce letteralmente dallo stereo, e permea costantemente l’aria intorno a noi. Sembra voler parlare, volerci raccontare. Noi ascoltiamo, metabolizziamo, facciamo nostre le emozioni che vengono sapientemente formate. Qua abbiamo qualche sfumatura quasi Stoner Rock, con un sound aggressivo e duro, ma anche dolce, come una storia d’amore finita tragicamente, come un ricordo svanito. Il dialogo tra gli strumenti prosegue da metà del brano fino alla fine, alternando potenza e armonia, unendo tutte le vibrazioni in una sola voce di speranza e di sentimento.

L’ascolto di questo duo è stata una piacevole sopresa in questo 2021, e penso che abbiano già la maturità adatta per sfornare uno di quegli album che potrebbero raggiungere la vetta della nostra classifica di quest’anno. Noi lo aspettiamo e lo chiamiamo a gran voce: forza ragazzi, spaccate tutto!

VOTO: 7

 

LINK:

BANDCAMP

https://thetwinsandthedarkside.bandcamp.com/album/lethian-ghost

FACEBOOK

https://www.facebook.com/The-twins-and-the-dark-side-105241331377549

INSTAGRAM

https://www.instagram.com/thetwinsandthedarkside/

 

Paul – Postrock.it

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TIGER FLAMBÉ – TIGER FLAMBÉ

Tiger Flambé

Tiger Flambé
Tiger Flambé – Tiger Flambé. Ci troviamo oggi a recensire l’EP di un duo che ha deciso di osare. Un duo che ha deciso di sorpassare in qualche modo le barriere imposte dalle sonorità tradizionali, tentando qualcosa di nuovo. Con la decisione e la convinzione che per creare qualcosa di bello, di innovativo, di geniale… si debba per forza osare.

Il duo in questione si chiama TIGER FLAMBE’, costituito da Flavio Bevacqua e Carlo Zulianello che lo hanno prodotto con ben quattro etichette indipendenti italiane: Floppy Dischi, Marsiglia Records, Dischi Decenti e Brigante Records.

Ci troviamo oggi a recensire l’EP di un duo che ha deciso di osare. Un duo che ha deciso di sorpassare in qualche modo le barriere imposte dalle sonorità tradizionali, tentando qualcosa di nuovo. Con la decisione e la convinzione che per creare qualcosa di bello, di innovativo, di geniale… si debba per forza osare.

Eterea sensazione ci avvolge nell’ascolto di Kolumbo. Ci pare di percepire un fruscia, forse la natura, forse il mare lontano, ma dura pochissimi secondi. Le chitarre iniziano la loro rincorsa incessante, scollegate e lagate allo stesso tempo, le armonie si fondono tra loro e ad ogni giro sembrano aggiungere qualcosa, un pezzo di un puzzle gigante. Simpatico il riff maggiore che domina l’atmosfera chitarristica, mentre la batteria rincorre le sonorità, standogli dietro.

Un sound math rock decisamente sperimentale. La parola chiave di questo primo brano è una: imprevedibile, come l’eruzione di un vulcano.

Mata Hari non tradisce le intenzioni del brano precedente. Alcuni accostamenti di suoni ed intenzioni ricordano vagamente l’obiettivo dei videogiochi vintage. Le parti caotiche lasciano perdere l’ancora al terreno, al materiale. Si vaga alla ricerca di un’ancora, di un appiglio che non sembra arrivare. Ed in effetti, in Kolumbo non arriva. In Mata Hari invece sì, verso la seconda metà della canzone la linea melodica predomina sulla sperimentazione, fino al finale che ci porterà dritti al terzo brano.

Un finale che accontenta un orecchio bisognoso di certezze, ma una certezza che permane comunque nell’instabilità, nell’irrefrenabile voglia di tentare qualche altra cosa.

Questa dualità nel brano si sposa bene con l’intenzione di dedicare la canzone proprio a Mata Hari, spia per i francesi, inglesi e russi durante la Prima Guerra Mondiale.

Monko l’intreccio di linee armoniche all’accompagnamento ritmico più cadenzato, a tratti verso il finale sembra riprodurre una musicalità dance sperimentale con gli strumenti distorti. L’idea nasce dal video di una scimmia che pratica arti marziali, e questo tocco decisamente dadaista nella scelta delle esecuzioni ma soprattutto della loro natura… ci affascina molto.

Come diceva uno degli esponenti più importanti della corrente dadaista, Men Ray, solo il dadaismo poteva trovare l’arte nella casualità che, infondo, non era mai così casuale del tutto.

E’ in Zacatecas che ritroviamo il tocco di colui che ha registrato l’album, Tommaso Mantelli (leader dei Captain Mantell, bassista dei Sick Tamburo). Il brano rimane perfettamente coerente con la linea già descritta nei precedenti brani, con un tocco decisamente più “esotico”. Zacatecas è infatti una città del Messico dove più di un secolo fa sono stati fotografati degli oggetti non identificati in volo. Sicuramente un tema accattivante su cui fondare un brano.

L’EP è stato registrato in presa diretta e punta indubbiamente all’apice del divertimento dei due componenti che, già dal loro abbigliamento colorato e floreale, ci immergono completamente in un mondo di follia e sperimentazione.

VOTO: 7

Tiger Flambè EP (2021)

Floppy Dischi – Marsiglia Records – Dischi Decenti – Brigante Records and Productions – Doppio Clic Promotions

Mixed and Recorded by Tommaso Mantelli at Lesder Studio. (2020)

Tiger Flambé are

Flavio Bevacqua: Guitar

Carlo Zulianello: Drums

LINK:

https://www.facebook.com/tigerflambe

 

J. – Postrock.it

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ANDREA MAININI – OCEAN

ANDREA MAININI

Ocean
Andrea Mainini, Ocean. Esplorare i sentimenti è uno dei processi più naturali dell’uomo. Ocean è la dimostrazione di come la musica può diventare un canale dentro cui far fluire tutte le nostre emozioni, un prisma dentro cui far confluire un raggio di luce, e da cui ottenere un prisma di colori.

Eccoci tornati al nostro stereo. Oggi ci lanciamo in un ascolto interessantissimo. Si tratta di un artista italiano che merita l’attenzione di tutti gli amanti del Postrock.

Stiamo parlando di Andrea Mainini, che ci invia in redazione il suo ultimo lavoro, dal titolo “Ocean”. Frutto del suo talento, ma anche della partecipazione di artisti nazionali e internazionali. Un lavoro molto ampio e ambizioso, portato avanti con maestria, che attraversa una miriade di sfumature e generi diversi. Molti generi, una sola bandiera: il Postrock.

Se ancora non vi fosse chiaro che cosa si nasconde dietro il concetto di “Postrock” vi rimandiamo al nostro articolo, in cui vi spieghiamo in modo molto semplice e chiaro cosa vuol dire questa parola, da dove arriva e quali sono le band fondamentali. Leggi qui.

Ocean è un disco interessante, profondo, poliedrico. Ci regala un insieme ricco di suoni e immagini, in cui ognuno di noi può sentirsi protagonista.

Andrea ci prende per mano e ci conduce attraverso questo percorso musicale, che riprende le sue esperienze, le sue gioie e le sue sofferenze, e noi fiduciosi ci addentriamo nell’ascolto per farne qualcosa di nostro.

1 – Post Trauma. I giochi si aprono con un brano dolce, malinconico, che ci culla e ci fa dimenticare del tempo che scorre. La chitarra qui è dolce, morbida, quasi vellutata, e ci delizia con una serie di arpeggiati degni di un brano dei Pink Floyd. In effetti, rivediamo molto di loro in questo inizio Album, e l’assolo a metà non può che ricordarci un pò quel sapore dolce-amaro tipico delle note di David Gilmour. Il brano quindi prende vigore, con una batteria più corposa che aumenta l’intensità, e un riff di chitarra che tiene testa sullo fondo, incalzando le percussioni.  Riprende quindi il tono malinconico, creando un gioco che ci ricorda un pò le onde del mare, o le emozioni estremamente altalenanti ed effimere.. un pò come l’oceano?

2 – Mindfulness. Dalla dolcezza e dalla malinconia del primo brano passiamo ad uno stile completamente diverso. Qui veniamo subito catturati da un ritmo e da uno spirito grintoso, accattivante, giocoso, che ci colpisce da subito per il ritmo e per la semplicità del riff principale. Il basso gioca un ruolo fondamentale, seguendo e pressando le ritmiche della batteria, scaldando l’aria, rendendo tutto più piccante. La chitarra si erge fiera in alcuni fraseggi e diventa protagonista come una voce solista. Ad un certo punto il brano si ferma improvvisamente. Note dolci, suoni di synth, alcuni fiati, quindi il brano prende riparte con il grande gioco ritmico delle percussioni, creando un’atmosfera tribale, indigena. In questo ambiente misterioso ci immergiamo, e vediamo immagini nella nostra mente prendere vita.

Vediamo pellerossa correre a cavallo, Giù per i canyon, immersi nella polvere, con gli occhi pitturati e lo sguardo fiero. Vediamo indigeni nascosti nella foresta pronti a difendere la propria casa, il proprio territorio. Vediamo animali selvaggi correre e nascondersi, attaccare e sopravvivere.

3 – Ocean. Come ogni Title Track che si rispetti, anche questa non fa eccezione e ci emoziona con la sua originalità e la sua poesia. Veniamo accolti dal suono del mare, e noi ci immergiamo. Una chitarra ci culla con dolci note, mentre le parole di una poesia scaturiscono dal cielo immenso e scendono fin nel nostro profondo, creando un solco indelebile. Questo brano è un viaggio che si può descrivere difficilmente a parole. Bisogna viverlo, ascoltarlo, diventare un tutt’uno con esso. Definirla canzone è diminutivo: è un concept, un percorso enorme racchiuso in 6 minuti di brano. Se dovessimo fare un paragone, potrebbe ricordare la densità e la profondità dei primi Dire Straits. Una Telegraph Road italiana, che cresce in intensità. arricchità dall’utilizzo di strumenti classici, come trombe, archi, e pianoforte. Nell’insieme, non possiamo che definirlo uno dei migliori brani ascoltati in questo 2021.

4 – Sunny Day. La malinconia non ci abbandona, al sopraggiungere di questo 4 brano, ma prende una sfumatura ancora diversa. Il titolo del brano si sposa perfettamente con l’ingenua tristezza che ci pervade ascoltando queste note arpeggiate. Si respira quasi una fanciullezza ritrovata, uno spirito bambino che torna a farsi sentire, o che non se ne è mai andato. Ci troviamo a camminare a piedi nudi su una spiaggia, a raccogliere conchiglie per ascoltare parole nascoste. Il dialogo tra gli strumenti qui è un tessuto creato sapientemente, così tanto che le chitarre prendono una forma quasi antropomorfa, e divengono persone, parole, ricordi. Un tappeto di tastiera synth segue questo dialogo, enfatizzando, creando aspettative che vengono confermate ad ogni nota. Il pezzo quindi esplode in un arcobaleno di suoni e colori, e la cosa ci piace, ci piace immensamente.

Così come il terzo brano, anche qui abbiamo una serie di momenti che lo rendono molto ampio. Difficile catalogarlo, non troverete strofa e ritornello, ma una storia, un trascorso da ascoltare e vivere.

5 – Silent Love. La prima emozione che ci suscita l’ascolto di questo brano.. e un amore inespresso. Potrebbe essere l’amore di un amante, o il dolce sguardo di una madre che osserva il proprio bimbo sognante nella culla. Tastiere e piano qui sono i protagonisti indiscussi, e creando una varietà sonora che ci fa apprezzare ancora di più il passaggio tra i vari brani dell’album. Niente è scontato, niente è messo li tanto per fare. Si avverte la cura in ogni nota, in ogni passaggio, in ogni scelta musicale. Questo brano ci lascia sognare, non cambia, non smuove, ma rimane li dov’è, piccolo e allo stesso tempo grandissimo, così come soltanto può essere un Amore silenzioso.

6 – Le Them Go. Siamo giunti al termine. Non vorremmo essere già qui, vorremo ascoltare ancora e ancora. Questa piccola amarezza ci fa capire che è stato un grande album, e che il progetto di Andrea Mainini è destinato ad avere un grande seguito.

Può esserci un brano scontato a chiusura di un album così interessante? ma certo che no! Qui una voce femminile e una voce maschile si intrecciano, parlano, si sfiorano, si allontanano e ritornano.

Un gioco di armonie ci emozionano, ci portano in territori inesplorati della nostra anima. Questo album non richiede altri commenti, se non questo.

Questo album riassume l’amore per questo genere, lavora perfettamente in sintonia con la libertà sonora e d’idea che solo il Postrock può dare.
Complimenti Andrea Mainini, ti sei meritato il primo 10 di questo portale. Continua così, regalaci altre emozioni.

VOTO: 10 🏆

OCEAN

1 – Post-Trauma                        5:30

2 – Mindfulness                        6:22

3 – Ocean                                6:27

4 – Sunny Day                           8:17

5 – Silent Love                          3:40

6 – Let Them Go                        4:54

LINK:

https://www.instagram.com/andrea_mainini_music/

Testi e Musica di Andrea Mainini

Andrea Mainini: voce, chitarre , basso, keybords, synth

Andrea Bonzini: batteria

Simone Mor: xaphoon , kaval , ney persiano (Mindfullness)

Facundo Flores: Percussioni (MIndfullness)

Nicolas De Luca: piano (ocean)

Liz Hanks: violoncello (ocean)

Hugo Lee: sax (ocean)

Ivy Marie: Voce e cori (Let Them Go)

Mixato e masterizzato da Giorgio Tenneriello

 
 

Paul – Postrock.it

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TERMINAL SERIOUS – LOVE WAS LIES

TERMINAL SERIOUS

Love Was Lies
Terminal Serious – Love was lies. Il tormento, la solitudine, non sono altro che parti di quella radicale insoddisfazione che ci affligge quando amiamo. Ma non possiamo farne a meno, perché è proprio l’amore che ci causa dolore a donarci anche quel leggero sollievo dalle tristezze della vita.

Avevamo già recensito il singolo “LAMB” dei Terminal Serious.

L’album, “Love Was Lies” non ci ha deluso per niente, consolidando le impressioni del singolo.

Ambientazione post rock che si mischia all’atmosfera dark-wave, voce calda ma sempre presente, incisiva in ogni parola articolata. Un solo project, costituito da Luigi Bonaiuto che, da Firenze, sforna questo album di 11 tracce. Quello che possiamo sentire è un insieme di tormento, amore, solitudine… e di nuovo amore.

Sentiamo i Depeche Mode in All my desire ed in Shit inside. La metrica segue in maniera esemplare gli accenti musicali, donando così l’intenzione di una poesia vera e propria, più che di una semplice canzone.

Vi rimandiamo alla nostra precedente recensione per sapere nei dettagli quello che pensiamo nello specifico del singolo, LAMB: https://www.postrock.it/terminal-serious-lamb/

Confermiamo l’impressione evocativa, la ritualità nella ripetizione delle scelte armoniche, semplici ma mai banali.

La sensualità della voce ci tormenta in Warporn, che inizia con un’effettistica darkwave vecchio stampo, dando poi spazio ad una chitarra che apparentemente fa un viaggio autonomo sulla scelta della notazione, ritornando sempre ad una base solida. Parte poi uno slancio strumentale che ci mostra quanto il genere dark sia contaminato da altro, l’oscurità ci appare nitida come la luce, con la voce timbrica del basso. Anche qui la poetica inglese ci appare come una lettura d’altri mondi, ci accompagna durante il percorso senza mai esplodere del tutto.

Più che altro, è una musica che implode.

Molto più melodico è invece il finale, che apre la strada a Love Was Lies, traccia che porta il nome dell’album, su cui concentriamo l’apice delle aspettative.

Ci accoglie con un inizio meno darkwave e più postrock, spiazzandoci nuovamente con la calma cadenzata della voce. Ci lascia come sempre appesi tra una dimensione onirica ed una dimensione estremamente terrena, così come è l’amore, la solitudine e tutto ciò che riguarda i nostri sensi ingannatori.

Dopo questa presa di coscienza e di consapevolezza sull’amore, una menzogna come tutti i sensi che ci mostrano spesso qualcosa che non è, parte Goodbye.

Un brano completamente strumentale. Attendiamo l’arrivo della calda voce che ci ha accompagnati fino ad ora, ma non veniamo mai, volontariamente, appagati. E questo crea maggiore aspettativa per la canzone successiva, Disorder. Un ritmica calzante e ripetitiva fa il suo ingresso prima dell’entrata della voce, un vero e proprio rituale di iniziazione che si prolunga fino a I’m already gone.

Un brano introspettivo, la musica rallenta e diminuisce di intensità nel dare importanza alla voce in alcuni punti strategici. L’attenzione è sempre focalizzata sullo strumenti che merita il focus in quel momento.

Il tormento dell’anima giunge con Soul Misery. Gli strumenti non ci lasciano respiro fino alla fine del brano, niente pause per la riflessione, niente calo della dinamica, incessante come una cavalcata.

Ci avviciniamo al termine dell’album con New Jail, il nostro percorso ci ha lasciato analizzare ogni singolo sentimento, per capirne la natura e l’essenza stessa. Un ciclo di emozioni che si conclude e ricomincia, perché siamo esseri umani ed Eyes of Child ci conferma questa impressione.

Un percorso, quello di Love was a Lie, difficile da comprendere analizzando ogni singola canzone. E’ più facile parlarne in generale, perché l’album va analizzato nel suo insieme. L’amore è opposto all’odio, due forze totalmente opposte dell’essere, che fanno entrambe parte dell’amore stesso. Un album che spinge alla riflessione filosofica più che ai sapori terreni.

 Il tormento, la solitudine, non sono altro che parti di quella radicale insoddisfazione che ci affligge quando amiamo. Ma non possiamo farne a meno, perché è proprio l’amore che ci causa dolore a donarci anche quel leggero sollievo dalle tristezze della vita.

Una logica illogica che l’album esprime con chiarezza. Ascolto profondo e consigliato.

VOTO: 8

LINK:

FACEBOOK
https://www.facebook.com/terminalserious/

 
 

J. – Postrock.it

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LILLO MORREALE – PATERNICILLINA

Lillo Morreale
Paternicillina
Lillo Morreale ci presenta Paternicillina, colonna sonora dell’omonimo film. Uno spettacolo di luci, suoni e colori, una danza di emozioni che si fonde sotto un’unica bandiera: il Postrock.
Oggi parliamo della nascita e della morte del mito. Qui, oggi, con voi, intraprendiamo un percorso nuovo. Oggi vi presentiamo un progetto che non è soltanto musicale, ma anche cinematografico, artistico, poetico.

Lillo Morreale è un compositore e polistrumentista. Ha studiato Musica per Film al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma e ha perfezionato i suoi studi come Sound Producer per il Cinema presso il Modulab Studio, sotto la guida del compositore e arrangiatore Marco Biscarini.

Ci regala un ascolto unico, un album che rappresenta la colonna sonora originale dell’omonimo film uscito nel 2020.

Baruffi, maestro di Florestano Vancini è visto dai suoi contemporanei come un talento promettente del cinema della realtà; produce tra la fine degli anni ‘40 e la metà dei ‘50 più di venti pellicole. Poi più nulla. Il silenzio.
Una fuga? Una rinuncia al sogno?

L’album, così come promette la copertina, è un viaggio sensazionale unico, fatto per riempire l’etere di suoni e vibrazioni, fatto per trasportarci in un mondo nuovo, puro, trasparente, vivo.

1-Pianura. Schermo nero. La sala è in attesa. Il film inizierà tra 5 minuti. L’auditorio è vasto e silenzioso. Siete riusciti a entrare? Lo spettacolo sta per cominciare. Si inizia, ed una leggera nebbia si forma davanti a noi. Un timido gioco di suoni fa capolino dietro il palco, portandoci sulla prima scena. Un attendo gioco di synth e arpeggiatori, forma un tessuto sonoro quasi onomatopeico, in grado di suscitare nell’ascoltatore immagini di forme animali, di essere viventi in trasformazione.

2-Prima di scomparire. Un punto interrogativo aleggia sospeso a metà tra una riga e la successiva. Dietro di esso, una domanda rimane silenziosa, inespressa, forse senza risposta..

Hai vissuto abbastanza nella tua vita? Hai vissuto abbastanza da farci un film?

3-Anche oggi è giornata di silenzi. Vibrazioni calde e vivide si susseguono portate avanti da armonie brillanti, luccicanti, come stelle pulsanti nel cielo freddo e notturno. 

4-Dettagli. Un gioco quasi ritmico di immagini che esplodono nella testa dell’ascoltatore, scivolando nella coltre della nebbia di prima mattina. Un ticchettio continuo e costante ci fa pensare alle ore che scorrono, ai minuti, ai secondi passati, alle nostre vite, alla morte, alla rinascita.

5-Abbiamo sbagliato qualcosa? L’interrogativo si staglia, sincero, quasi fanciullesco, di fronte ad un brano altrettanto sincero e commuovente.

Suoni d’infanzia, come di vecchi Carillon impolverati, o di tamburini accantonati in qualche vecchia soffitta. Essi rimangono silenziosi, accantonati dietro a grosse scatole e mobili abbandonati.

Un luccichio si intravede ancora sulla plastica scolorita, sui dettagli rovinati. Un presentimento, un attimo, qualcosa prende vita, e suoni tornano a diffondersi nell’aria.

6-Nuvole (Parte 1). Sdraiati in quel campo fiorito, in un pomeriggio di sole e di erba fresca, apriamo le braccia, adagiamo la testa, e iniziamo a sognare. Ed eccole, le nuvole che si muovono lentamente, che cambiano forma, che giocano goffamente tra di loro, perdendo forma, trasformandosi, intrecciandosi tra loro. Quella nuvola sembra un elefante, si proprio quella! Quell’altra invece, a me pare proprio un drago.. no aspetta, ora è un cane che corre. Suoni imponenti e al tempo stesso umili si presentano a colorare la scena, rendendo tutto incredibilmente soffuso, quasi onirico.

7-La sindrome del vincitore. Quale maledizione più grande, per un vincitore, se non quella di perdere con essa?

Qualcosa cade, cade sempre più velocemente. Il ritmo cambia, i suoni acquistano un tono rimproverante, potente. Ci si accusa spesso, perché i nemici più grandi siamo noi stessi.

8-Fuori nella notte. Passeggiando nella strada silenziosa e notturna, è sorprendente scoprire come la solitudine si popola di migliaia di piccole voci. Grilli notturni, Gatti curiosi, ombre, voci, suoni, colpi lontani. Ci si perde quasi a giocare, a indovinare l’origine di ogni suono, la sorgente di ogni emozione. 

9-Questo film non esiste. Lo diciamo per convincerci.. o forse ce lo stiamo domandando. Questo film non esiste? Non lo sappiamo. Una drum digitale dona un ritmo audace a questo brano, e noi lo seguiamo abbandonandoci del tutto alle nostre sensazioni.

Nella morte ritroviamo spesso un senso di rinascita. Nell’accettare la sconfitta, scopriamo di sentirci forti, di avere conquistato qualcosa di più prezioso di tutti i premi di questo mondo. La nostra anima brilla dentro di noi, protagonista indiscussa di ogni cosa.

il ritmo rallenta, si scompone, si sovrappone. Il sogno svanisce.

10- Solo follia. Cosa rimane di tutte le speranze, di tutti i sogni, di tutti i pensieri? Parole vuote su una pagina di diario che nessuno leggerà mai. Vibrazioni ricorrenti lasciano spazio ad un crescente dialogo ritmico che cresce sempre più, fino a dare un senso a tutto il quadro. Alla fine della sua vita, il vecchio comprende molte cose, ma non parla, non dice. Lascia che il mistero scenda su di lui, lasciando spazio al mito, alla leggenda, al racconto. I suoni salgono, crescono, riempiono ogni cosa. Poi il vuoto.

11-Nuvole (Parte 2). Come ogni racconto degno di nota, come ogni film che si rispetti, anche noi giungiamo al termine di questo bellissimo viaggio. Gli spettatori piangono, alcuni riflettono in silenzio. Chiudo gli occhi, ora, per sempre, addio mondo. Torno a fissare le nuvole, candide come la giovinezza, lascio che ogni cosa si dissolva, che lasci il significato nel limbo dei ricordi.

Schermo nero. La sala è in attesa. Il film inizierà tra 5 minuti. L’auditorio è vasto e silenzioso. Siete riusciti a entrare? Lo spettacolo sta per cominciare.

VOTO: 9

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Paul – Postrock.it

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JULINKO – NO DESTROYER

JULINKO

No destroyer
Julinko – No destroyer. Un Ep che si avventura su territori inesplorati, lungo ripidi sentieri avvolti da mistero e sonorità ammalianti.
Dal Veneto Giunge la nostra protagonista di oggi, Giulia Parin Zecchin, in arte Julinko, e ci regala momenti di profonda arte e ispirazione attraverso il suo ultimo solo EP, dal nome No Destroyer.

Ci troviamo di fronte ad un’artista molto completa, con un discreto percorso musicale e un estro artistico molto evidente. Dal 2015 al 2019 4 pubblicazioni musicali, molti concerti dal vivo, collaborazioni musicali con personaggi talentuosi dello spettacolo, e persino una raccolta di poesia (uscita nel 2020 per Eretica Edizioni).

Ci rendiamo conto fin dalle prime note che abbiamo di fronte un’artista che sa perfettamente quello che vuole esprimere, e dove vuole condurci con le sue note oscure e vibranti.

Un EP molto instrospettivo e sperimentale, che percorre sentieri sonori inesplorati e lascia un segno di inquietudine e mistero. Un lavoro assolutamente originale che ci lascia profondamente impressionati. Brani che superano il confine tra poesia e musica, che ci lasciano sprofondare in una trance psichedelica e ci portano in mondi paralleli.

1-Islander. Un brano di pochi secondi, un attracco sicuro prima di avventurarci nelle terre oscure nel Nord. Il freddo si condensa in nuvole di vapore di fronte a noi, mentre osserviamo la notte scendere lungo le montagne che scendono a picco sul lago. Un lago nero, che non lascia trasparire emozioni. Saliamo sulla nostra piccola barca, sciogliamo il nodo che ci tiene ancorati, e iniziamo il viaggio.

2-No Destroyer. Il brano che porta il nome dell’EP che stringiamo tra le mani, traccia fondamentale di questo percorso rituale. La barca scorre a filo di quest’acqua così liscia da sembrare solida,  mentre alberi silenziosi si stagliano lungo le sponde e ci invitano verso di loro. Da una parte la civiltà, piccole luci fievoli di paesi sperduti, dall’altra l’imponente arcaico silenzio della selva oscura. La chitarra continua recitando la sua preghiera, con arpeggi ripetuti e morbidi che scorrono a filo di quest’acqua, mentre parole si disperdono di fronte a noi, formando una coltre di nebbia leggera, che ammorbidisce ogni cosa, colori, suoni e luci. La nostra piccola barca scivola sicura, sempre più lontana dalla civiltà, sempre più vicina alla riva opposta.

3-Oh Maiden. Siamo arrivati, la nostra fragile imbarcazione ci ha portato a riva, e noi ci avventuriamo su per il sentiero oscuro, muniti di una piccola lanterna ad olio, che flebile ci mostra il cammino. Sentiamo voci intorno a noi, suoni e leggende che si diffondono nella notte e nei ricordi di questo luogo. Esseri sembrano danzare tra gli alberi, non sappiamo dire cosa siano, se spiriti o creature dimenticate dal mondo. Parole senza più significato, occhi senza più palpebre, volti senza più un nome. Una voce sofferente ci guida e ci mostra una strada che non conoscevamo, un sentiero abbandonato molti anni or sono, e mai più calpestato.

4-Vergiessmeinicht. Il sentiero ci ha portato verso una casa abbandonata, nel bosco quieto e solitario. Una luce flebile illumina una delle stanze al piano superiore. Chi sarà mai ad abitare questo luogo? Ci avviciniamo alla porta, ci accorgiamo che è aperta, e ci avventuriamo nel mistero. Giunti alla stanza, ci fermiamo, esitiamo, rimaniamo ad ascoltare. Poi apriamo la porta e ci affacciamo. Un essere fatto di luce e ricordi si presenta a noi, e piange lacrime per un ricordo ormai cancellato, per sofferenze vuote disperse nelle pieghe del tempo.

5-Curtain (Jaw Apoteosis). Attirati dalla nostra presenza, molti altre creature sopraggiungono nella stanza per richiamare la nostra attenzione. Noi rimaniamo in religioso silenzio, e ascoltiamo attentamente ogni lamento, ogni parola, senza giudicare, ma solo ascoltando.

6-The Ribbon. È giunto il momento di tornare a casa. Con un piccolo cenno del capo salutiamo con rispetto queste creature, e ci portiamo nuovamente lungo il sentiero, Il cielo sopra di noi ora è più chiaro, segno che l’alba è quasi giunta ormai. Il bosco, inizialmente così impenetrabile e ostile, ora sembra avere aperto le sue porte a noi, e ci lascia camminare tanquillamente, quasi accompagnandoci verso la nostra meta. Riprendiamo la piccola barca, e con una leggera spinta torniamo alla civiltà.

Grazie Giulia per averci regalato questo splendido lavoro. Attendiamo presto tue notizie e speriamo di poter recensire presto altri tuoi lavori. Un complimento da tutta la redazione.

VOTO: 9

CREDITS:
Music, lyrics, photo by Giulia Parin Zecchin

Drawings by Linda de Zen
Artwork, graphics, lay-out by Marco Zanella
Julinko logo handwriting by Carlo Veneziano
Mixed and Mastered by Zano at Produzioni Rumorose
 
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Paul – Postrock.it

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OKTOPUS PROVANCE – UNDERNEATH THE SUN

Oktopus
Provance
Underneath the Sun
Oktopus Provance escono potenti dalle casse dello Stereo con un album Rock intenso e trasparente, con un inconfondibile sapore Post Rock.
Oggi allarghiamo un pò le nostre vedute, per parlare di un progetto che non si definisce Post Rock, ma dai sapori e dai contorni sperimentali. 

È sempre un piacere ascoltare band come gli Oktopus Provance. Quando la musica è fatta bene, è fatta bene. Questo quintetto ci convince subito, fin dal primo pezzo. Ci presentanto un range sonoro molto ampio, che spazia dal Rock, al Post Rock, lanciandosi in Riff potenti e dalle chiare influenze Stoner. Questi ragazzi non si precludono nessuna strada, anzi decidono di sentirsi liberi di esprimere tutta la loro arte in questo “Underneath the Sun”.

La voce chiara e cristallina del cantante tiene alti i riflettori fin dal primo brano, mentre riff di chitarre piacevolmente Ambient si accompagnano a momenti potenti e adrenalinici, seguiti fedelmente dalle percussioni, incisive al punto giusto, e da un basso che sa riempire le frequenze giuste, senza strafare, ma tenendo le giuste vibrazioni.

10 brani, 51 minuti di musica rigorosamente nostrana e originale. L’Italia da sempre ha fatto scuola nella musica sperimentale, e questi ragazzi tengono alta la nostra reputazione, con atmosfere psichedeliche e dense di immagini.

Tra i brani che mi hanno colpito di più c’è Eclipse, un momento strumentale degno di nota, con arpeggi di chitarra che si disperdono in una nebbia di pattern synth alla God Is An Astronaut. Un assoluto momento di piacere Post Rock.

Active Generator. Si apre con un super Riff dal sapore Stoner, per lanciarsi in un momento cantato quasi sognante. Questo brano è l’emblema della sperimentazione. Qui troviamo non soltanto cambi di intensità, ma anche cambi di tempo (che il batterista sa giocare con intelligenza, senza cadere nello scontato) e intenzione, creando un viaggio musicale che rende piacevole l’ascolto fino alla fine (non male per un brano di ben 7:17)

Oktopus Provance sanno quando colpire duro, ma sanno anche quando lasciarsi andare ai momenti più delicati e romantici.

Space Cowboy. Come suggerisce sapientemente il titolo, questo brano mischia un sound decisamente Country Folk con sonorità spaziali e di ambientazione, con un risultato davvero interessante.

Nel complesso ci ha impressionato positivamente il progetto, e siamo felici di aggiungere questa recensione al nostro portale. Ci piace ogni tanto uscire dalle righe per raccontarvi di cosa combinano i nostri ragazzi italiani al di fuori del Post Rock, e gli Oktopus Provance ci dimostrano che la sperimentazione si può mettere dappertutto, e in qualsiasi genere.

VOTO: 7

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Paul – Postrock.it